秦腔《阴阳鉴》的“功过是非”

叹月缺花飞

——秦腔《阴阳鉴》的“功过是非”

秦腔《阴阳鉴》的成功，并不是因为题材，相反，这一点成了它悲惨结局的致命伤，而且从中可以看出编剧并不太高明。声嘶力竭酣畅淋漓的哭诉与抗争，以及处处点破社会黑暗的台词，确实能引起共鸣，赢得百姓叫好。但问题在于，过分直白反而大大削弱了作品的深刻性，也导致其被永久封存。

圈内有句老话，演戏流出眼泪的演员不是好演员，而是泪花在眼框中闪烁，引得观众或是老泪纵横，或是胸口憋闷难以自持。这才是深刻到骨子里的思考，也是所有文艺作品共同追求的一个理想化的目标，虽然是难以企及的，但并不影响真正有思想的创作者。那么，《阴阳鉴》之所以能在一定范围内流传，并受到认可，其成功，或者说是独特点究竟在哪里？个人觉得有两点。

一是，编剧构建的故事框架与导演的表现手法、舞台呈现贴合得极为密切。

这个作品不仅仅描写了窦娥的冤屈，甚至说，窦娥仅仅是主创们用于吸引观众、表达主题的一个具象化的人物。无论多么宏大的主题，都必须要通过有血有肉的细节来加以体现。所以，钟馗、阴阳婆以及众多的冤魂构成了故事最有力的阵容，让观者明白，这样黑暗的现实不是刻意虚构的，也不是凭空捏造的，而是真实鲜活的，加上张驴儿、狗官等等反面人物的衬托，主题思想就更加一目了然、让人信服了。其中颇为经典的场景，如人鬼之间的对话，在呈现形式上虽看似换场，但却极为出彩，无论是阴阳婆、钟馗、窦娥三者的对唱，还是正场戏中忽然穿插的鬼神表白，如钟馗唱“土埙儿呜咽，唢呐儿辉煌，同样是红红的衣衫，为什么囚衣儿短锦袍儿长，一个是鬼门关前咏绝唱，一个是弹冠相庆醉华堂”，都是吸引、打动观者的强力法宝。

很自然地，正场戏登场。“审案”“探监”也好，“杀场”也罢，这可都是传统戏《窦娥冤》中的经典，编剧没有舍弃，反而更加强化，在让观众过足老戏瘾的同时，又有一种“耳目一新”的感觉。能新编到这种程度，很不简单。

这里解释叙述当中的两个词语，换场、正场，严格来说，这两个词并不准确，在《阴阳鉴》中，基本看不出换场的痕迹，是一部完整的不可分割的作品。之所以用这两个词，只是为了能表达得清楚一些。

二是，演员们的整体表现力以及唱腔、音乐设计贴合得也极为到位。

这个可能不用多说，凡是看过《阴阳鉴》的，都应该有所了解。

由《阴阳鉴》联想到了“什么才算得上好作品”这个在艺术界没有固定衡量标准的话题。

“戏保人、人保戏”，也就是行内所说的“一棵菜”。剧本好、导演好、演员好、舞美灯光好、音乐唱腔好，种种之好，综合起来才算是真正意义上的佳作，水涨船高、遇强则强似乎很能说明这个问题。如今很多所谓的好作品，要么是花了极高的代价雇佣了一批圈内有头有脸的“御用创作者”，或是编剧，或是执导，但演员等其他方面弱了，这就造成了“空有其表华而不实”的结局。要么是演员表现力极强，可承载他们的主题、故事不强，导致发挥不出应有的水平。

戏曲是“看角”的艺术，直到现在我仍认同，但不得不承认，现如今大众的审美方式早已发生了天翻地覆的变化，从“看角”到“看戏”，人们更希望看戏曲作品如同看影视剧一样，看的是故事，看的是矛盾冲突，而不仅仅是演员。所以，戏曲艺术的发展、传承，都需要有新的群体来欣赏、关注，能吸引他们的，演员绝不是唯一的因素了。

高明者，讲他人故事，表自己心意，潜移默化地，让人察觉不出。此乃高人。

良心者，讲故事、表心意，直来直去，如其性格，刚直不阿。此乃君子。

沉默者，埋头不语，静观其变，有所顾忌。此乃大众。

奉承者，油腔滑调，见风使舵，见人说人话，见鬼说鬼话。此乃真鬼。

《阴阳鉴》的主创们，属第二类，君子。