李维康的七宗“最”

小女子对京剧不敢说了解甚多，对音乐专业也知之甚少，喜爱李维康老师的表演艺术，是因为能感动我。于是写下些个人感受，希望和有兴趣的朋友共同探讨。

一、 李维康的七宗“最”

1、 最“纯”——杨开慧（剧目：《蝶恋花》）
文革刚结束，第一部使维康声誉鹊起的现代戏。那时的维康，除了出色的唱、演水平，还特别有股朝气，和她塑造的杨开慧一样，如板仓冲里茂盛的青竹、清澈的溪水，纯纯地走来，无比清新。她的杨开慧形象，充溢着“我将我身献我党”的追求真理的激情，充溢着对战友、乡亲、故土的挚爱亲情，这也是一个“纯”字。全剧一改文革“高、大、全”的“英雄主义”创作习惯，以“情”动人，加上全新的板式和唱腔结构、优美的音乐设计、巧妙融入湖南乡土音乐元素等，也给人“纯”的感觉。尤其那段“绵绵古道连天上”的华彩唱段，由平静舒缓到激越奔放，层层推进，娓娓道来，字字千钧，情深无限，关雅浓先生的这段创作在200年京剧史上足可记上浓墨重彩的一笔。现在已过天命年的维康不能用“纯”来概括，但她唱起这段的忘我境界和海洋般的深情总使我辈心潮难平，再无第二人能描其真髓。
2、 最“酷”——凤妹子（剧目：《恩仇恋》）
一向文静端庄的“大青衣”李维康，居然在紧锣密鼓中撒泼动野，塑造了一个火辣辣、凶蛮蛮、敢爱敢恨的性情美人，这种艺术处理实在大胆又极为成功。这出戏集中体现“艺术形式为内容服务”的宗旨，极具革新意识。表演上，融青衣、闺门旦、刀马、花衫等多种行当一炉，充分显示了李维康唱念做打的全面功力，而且设计的几段舞蹈如趟马、和瘸腿李铁拐对打等都颇有创意，能把《拾玉镯》等很多传统戏动作程式“化”在戏中人物身上，着实高明。在唱上，李维康一贯以情带唱，根据塑造人物需要博采梅、程、张等派技法为我所用，但饰演的其他角色在大的范围里还可看作是青衣，所以一般还能找到梅、程、张的印记。而这出戏里演一“辣妹”，相对而言无章可循，她那调用各种音乐手法只为塑造人物需要的特点就更突显出来。象[南梆子]“见项圈猛一阵红云飞上脸”一段唱里“我又喜又羞更觉得心儿甜”的“心儿甜”，“刚提婚姻事他轻叹了一声”一段里“真是个没紧没慢的傻医生”一句等，简直听不出是民歌唱法还是象我们普通人一般喊出来的，反正就觉的象自己身临其境时会有的反应一样，非常贴切、非常生动；而这种唱法又是嵌在纯粹京剧的旋律、乐器、演唱之内的，化为无痕，从形式到核心还是京剧，同时人物性格大大鲜明了。同样例子还能找出很多，在“松岗送别”的核心一段唱里，“想起了杀父仇撕裂肝肠”一句、“又该谁与谁抵偿”的“偿”字等处，我甚至听出了通俗歌曲的吐字方法，不是专业搞音乐的也不知是不是，反正唱的活、唱的开、唱的过瘾。总之京剧在新时代不创新是肯定没出路的，而如何既保持京剧的根基和精髓，又有机融入具有现代审美意识的手法，包括戏剧创作的一些根本性问题，《恩仇恋》的导演阿甲以及李维康的大胆实践都很值得研究。
3、 最“雅”——李清照（剧目：《李清照》）
7部代表作部部经典，但个人最偏爱的还是《李清照》。因为大多数传统戏，注重情节胜于注重人本身，满是喜庆团圆、因果报应之类“套路”，说句不恰当的话，总觉带些农业社会的陈腐气；而现代戏又似乎多了份激昂、少了点韵致。最衷情还是《李清照》这样的，高雅清丽、以气质取胜，尤其能触动我这样念过大学自认为还算知识女性的人吧。这部剧也有精彩的情节，但也许是维康的举手投足太高雅、大气，令人信服地展示了一位著名女词人的风采，也许是音乐设计的太优美、清新，总之印象最深的是女词人本身的气质、境遇，这样的创作风格在京剧史上也属少见吧。正因为作品对“人”、尤其是一位彪炳千古的女词人本身刻画的细腻深刻、不染尘俗，因此对演员的文化修养、表现力也要求甚高，也就是禀赋超群的李维康，估计一般演员连台都压不住。说到这里，维康戏路真是宽，而才高貌美、大气有识的女子似乎由她演绎最具风范，因此象《谢瑶环》这样已有前辈唱红的经典戏，维康也敢于知难而进并成为了自己的一出保留剧目。 戏里“梅子青青枝头坠”一段流水，[西皮慢板]“一支花凝晨露盈盈绽放”，[南梆子]“中秋夜玄武湖清波浩渺”，以及那曲动情“声声慢”等，腔美、唱的美，维康“首届金唱片”奖可谓实至名归。
特别是那曲“声声慢”：从念白“……明诚，难道真的再也见不到你了么？”开始，未闻其唱、先感其悲，无限惆怅、心碎的氛围已就。再到“寻寻觅觅，冷冷清清…”一段“后庭花变体”，感觉维康唱的很轻松似乎没有刻意的技巧，但却字字轻重浓淡熨贴，如珠玉落心间、又似刀子刻心上，我想这可能就是内心情感已极充沛后的“以情带唱”、“举重若轻”的最高境界吧。其后[反二黄慢板]“想当初梅子青时乍与君相遇…”一段，和前面“声声慢”衔接的自然且极富美感，维康唱的委婉迂回、起伏跳跃，感情波澜变化万千，把听众带入到“此恨绵绵无绝期”的千古遗恨中。她在“彩霞工程”里曾很简单地介绍说唱这段时一要尽量丰富内心感情，另外眼睛里要有“视像”。我理解她的意思是“神贯于容，神不贯则容不动；神到容随，神贯而容动”。即内心情感积蓄越足表情就随之越自然真切，并且演员要会控制情感宣泄的过程，并要善于通过眼睛的“视像”引导观众感同身受，维康就是这样卓越的好演员。
4、 最“真”——王桂英、三圣母（剧目：《宝莲灯》）
这是维康和她的伙伴们共同改编的最成功、最具影响力的传统戏之一，几乎每段唱腔都可称为经典，每段情节设计和表演也可称为经典。戏里维康一身兼二角，而我理解她实际成功塑造了三个不同角色。一是三圣母，美丽多情，“落第归来多怨忿”一段，珠圆玉润、甘饴醇美，三个“去问他”到“可愿随我云深仙境永栖身”，把女性魅力诠释到极至。第二是贫寒村女王桂英，一段“一句话问得我心头鹿撞”，把一个善良少女被打动芳心时的娇羞喜悦刻画的惟妙惟肖，“这书生多情识礼心坦荡”一句的“这书生”三字，我不懂维康用的什么发声方法，在我感觉就是贴心贴肉的通俗唱法，极富韵味和美感，这就是最佳表现方法，管它什么派呢。第三是身为罗州县令夫人、二子母亲的王桂英，“睹此情心欲碎痛泪难忍”一段唱，舍子之后“……带上几陌纸钱到为娘和秋儿的坟上烧化烧化……”一段念白，让人几乎无法用什么手段技巧来形容，只是被感动、被征服。
每看到此，我总想，许多人认为京剧古老、不吸引人，更无法和大片、电视剧、流行音乐等抗衡，可二堂舍子这样的戏，很多人是没接触过，只要接触了，说它比影视、流行音乐会更抓人，想必也不为过。李维康最神奇的地方就在这里，善于展示人物心灵并掀起观众情感的热浪。如果因此说京剧失去了原汁原味，李维康“离经判道”，大多数观众（尤其是以前不太接触京剧的新观众）想必宁愿选择这样味道的京剧。还有人说维康念白不好，可听她舍子这段，包括《李清照》里“…明诚，难道真的再也见不到你了么？”，《坐宫》里的夫妻对话以及《游龙戏凤》里有趣有味的“调笑”等等，我觉的不是不好而是极品，她将生活化、口语化的语言风格，话剧语言表现形式等揉进来是对京剧念白极好的发展。正象维康曾说的“无论戏曲、戏剧、影视表演，都有一个最突出的共同点，那就是要以情感人。如果演员不能通过剧情中的人物变化去打动观众的心，那么，哪种艺术形式的表演都谈不上成功”。
5、 最“亲”——铁镜公主（剧目：《四郎探母》）
这本是出最常见的传统戏，很多名家演过但精品鲜见，只是维康夫妇的珠联璧合，使之成了家喻户晓的典范之作。个中原因我认为三点：一是一些唱段、念白维康他们确实改编的好，比如人人称道的“听他言”快板对唱、“夫妻们打坐在皇宫院”等。二是维康塑造的铁镜公主生活化、人性化。既是娇贵的公主，又象我们身边熟悉的家庭主妇、媳妇、母亲，善解人意、娇憨亲切。塑造人物生活化、人性化是维康表演的又一突出特点，看似随意，实则尽在掌控之中，她的表演从无陈腐拘谨之条条框框，和观众距离一下就拉近了。第三，绝对要归功于二位夫妻艺术家的默契合作了。一个“稳”劲十足，一个“活”力非常；一个坚如大地，一个灿若彩霞，相映成辉、相得益彰、相契相知、相激相荡，才让《四郎探母》（还有许多剧目）化平庸为神奇、满堂生辉。能因他们的默契配合而成就一出大家喜闻乐见的名剧，也算对台下这对恩爱夫妻的最高褒奖了。
6、 最“俏”——李凤姐（剧目：《游龙戏凤》）
维康版的李凤姐——天真烂漫、娇俏乖巧、清新隽怡，甜、嗲、灵、媚、十足女人味。李维康浑身都是戏，可以看出她极其雄厚的唱做功底和塑造人物的灵性，加上那对顾盼生辉的美目，叫人怎能不爱她！这出戏的李凤姐，和电视剧《四世同堂》里的韵梅，实在是维康奉献给世人的两大惊喜，都那么出乎意料又那么精彩绝伦：一个温婉贤淑、兰心惠质，一个天真烂漫、娇俏妖娆，显示了她惊人的驾驭多种类型角色的高超能力，不仅不和她的青衣艺术无关而且是重要的补充。至今，戏中维康（李凤姐）对正德皇帝俏皮的话语“你是大户长的兄弟、三户长的哥哥，你是那——二混帐”，“你可认得我啊？我是正德皇帝他的——娘——哦”等等不绝于耳，实实的可爱。
7、 最“美”——配唱毛泽东的《卜算子·咏梅》
虽然这不是完整的剧目，甚至只能算一首京味歌曲，总长44字、3分多钟，但我仍想放在这7宗“最”里，因为：
第一，在今天的社会里不可否认京剧势微，更广泛的观众了解并喜爱京剧，很多是先被戏歌、“样板戏”这样通俗、富表现力的“变种”京剧吸引，一首好的戏歌其影响力甚至超过一部大戏，维康首唱的《咏梅》就是这样一首广获赞誉的作品。
第二，这首咏梅，从演唱风格到旋律设计、伴奏配器等方面和维康在京戏中的艺术理念基本一致，是“李派”典型做法。即整体在扎实的京剧传统基础上，另外旋律紧凑、流畅、清新、委婉；演唱行云流水、雅俗共赏、根据剧情需要选择最贴切的表现技法，富歌曲性和时代感；伴奏配器根据情况尝试些新式乐器如大提琴、贝司等等，以拓宽京剧表现力。
第三，这首曲配词是思想性和艺术性几乎完美结合的典范之作。维康的处理：从“风雨送春归”的平静铺陈下蕴育的磅礴张力开始，到“犹有花枝俏”的“俏”字上一波三折，一朵梅花迎寒怒放、充满生命力的骄姿似乎就在眼前。接下来的“俏也不争春”一段转为深情陈述，到“她在丛中笑”唱第二遍的“笑”字上，处理的既充满画面感、似已看到梅花笑的多么动人，又在字尾收的干净有力，以便推进到下段重复递进地吟颂“俏也不争春、只把春来报”的高尚情怀。此段当维康甩出华美高亢的“丛中笑”三字后，本已达到高潮，没想到更妙的是紧接一段男声合唱，深情大气地烘托出女主人公的最后一句“她在丛中笑”，于高潮之外又进一步升华，使听者“心潮逐浪高”。整曲格调清新、感情浓厚、气势磅礴、意境高美，44字字字动人心魄，既传达了主席笔下“俏”梅的神韵，又歌颂了千万革命者的挚热情怀，更抒发了艺术家自身对事业的苦恋和高尚人格追求，已臻化境！ 这七宗“最”除《咏梅》外，《蝶恋花》、《恩仇恋》、《李清照》是维康和他人共同首创剧目，是京剧史上新编戏的丰碑；另几部是改编传统戏的精品，是京剧史上传统戏的重要发展。其实还有许多作品如《汾河湾》、《谢瑶环》、《秦香莲》、《白蛇传》、《玉堂春》、《霸王别姬》、《平原作战》等等，维康均有独特建树，值得大书特书一番。她华美大气的台风，高若行云低如流水的“金嗓子”，博采众长、为我所用、以情带唱的声腔，形神兼备、真情忘我、气度超凡的表演，无疑形成了独树一帜、具有鲜明个性特色的“李派”风格。有人说，艺术大师或大家就是成功达成了以下公式：大师（大家）=学习+模仿+消化吸收+长期实践+再消化吸收+集中个人特性的表演+个性表演的升华和规范化。从这七宗“最”和维康的艺术生涯来看，我个人心悦诚服。
也曾听到些不同意见，因此想说说下面的问题：

二、 关于流派和继承、创新

1、有人说梅尚程荀张的演唱都可总结出一套完整的行腔发声体系，维康还差点。
我非专业人士，只想说说一个戏迷观众的感受。我觉的行腔发声方式就那么多种，梅尚程荀张等基本建立的差不多了，维康在演唱技法本身谈不上太多的创新，好象在借鉴现代歌曲唱法上似有些新意。如果她是个简单的演员，她的“博采众长”真要改称“东拼西凑”了，然而可贵的是她唱法是有章可循的，就是围绕着一个核心——塑造人物的需要。随着剧中人物的情绪变化选择最能在此时传情达意的唱法，这应是一切戏曲、戏剧、影视等文艺形式最核心最正确法则。一出戏根据剧情广收博采地唱总比一种唱法唱到头来的精彩，关键看演员融会贯通的水平高低了。维康作为戏曲学校的尖子生有雄厚的传统唱法根基，又经过长期艰辛的演出实践，在现代戏、恢复传统戏、新编历史戏方面又做了大量摸索，因此有理由说她有条件集百家之长、和时代之音、集观众之意、走自己的路。京剧前辈们当然也注重表演，大师们必定都是声情并茂的，然而我总觉的“唱、念、做、打”这个提法本身就有意无意地把“唱”和“演”割裂开来了；维康虽以善唱闻名，但她实际最强是善演，以情带唱，这种艺术特点似乎更科学一些，就象她笑谈的她是“学院派”，我更愿称之为“体验派”。纯属一点个人意见。
2、有人说维康的唱过于现代，不似“老人”们“味厚”。
这里面有几方面原因：一是过去的录音设备，可能录的声音效果尖亮了些，在剧场听她绝对是24K足金嗓子，宽亮清甜，声情并茂；并且随着新时代人们审美趣味的改变，维康也将声音由以前的相对脆亮外冲向宽润、圆厚调整，效果更好了。二是维康的艺术风格的确是京剧行里的“现代派”，大众审美趣味千差万别，不可能人人满意，部分偏爱老戏风骨的戏迷可能不习惯，也不排除她在某些地方处理的还不够完美，但其强大的整体优势、鲜明的个性风格，应是博得了绝大多数传统戏迷和新观众的欢迎，40余年来一登台就饱受喝彩即是最好证明。事实上我感觉，京剧演唱在保持传统的基础上旋律性加强、甚至融一点歌曲味道、情绪上更加饱满和直接、慎重改进传统戏一些陈腐老旧习惯是很好的发展、也是必由之路（君不见连彭丽媛等最正宗的民歌唱将也在悄然向“民通”唱法靠吗）。时代在进步，许许多多观众象我一样，对龙腔老调是不太容易听进去的，任何作品讲究的都是唱出情来，激起共鸣，而死抱某些老气横秋的做法，不一定能和生活在现代的观众更好地共鸣。
换言之，“继承”和“创新”之间的“度”很重要，维康恰恰做了最勇敢最有益的尝试。著名剧作家邹忆青曾撰文介绍维康“每排演一个剧目,她都要对每一句唱词,每一个音符仔细品味,反复揣摩,把握住放,收,扬,抑,轻,重,顿,挫的辩证关系。使自己在高,中,低的音域里自由驰骋。面对各种板式,她都游刃有余,绘声传情,或如行云流水,或如珠落玉盘,铿锵悦耳,娓娓动听”。李维康也曾谈创作体会说“要把角色演好，除了有投入演出的决心之外，更重要的是对角色本身的研究、理解和体验，没有这些必要的前期准备，是不可能塑造出成功的角色的”，还说“认真研究传统，创新才有观众”。足见她的唱和演，是在下功夫研究、体验的基础上，保留传统精华、又融入合情合理新意的“创新”，传统不丢、思想不旧、功夫下足、脑筋动好。所以她的作品，“色、香、味”俱佳，能牢牢地抓住观众。观众真正不欢迎的是时下某些作法：人为炒作，自作聪明的“包装”；脱离大众，有悖艺术规律的“个性”艺术；或是台步都走不好就赶鸭子上架、极尽表面豪华铺张的所谓“创新”。
3、有人说成为流派要有广为流传的代表曲目，维康的新编戏、改编戏（改编戏也可成为有其个性风格的代表作）好是好，却没有大范围传唱。
维康的代表作影响力还是比较大的，传唱度相对于前辈大师差些，但这完全是时代造成的，时代的必然，所以剧目是否广泛传唱这一标准需要改改。
解放前，戏曲是排第一位的大众娱乐方式，达官显贵到市井村镇，生老婚丧都离不开唱戏，更别提每日戏园子里“热毛巾飞上飞下”的火爆场景了。那时流派纷纷崛起，经典唱段自然传遍街巷。
文革时的“样板戏”，一方面集中了当时最好的技术条件（最好的演员、编剧、编曲、舞美等等），在艺术层面确有过人之处，大家爱听爱唱，时至今日仍有深刻启示性；另外国家会组织全民观摩、学习，政府的扶持力度可谓史无前例地强。
改革开放后，拜金思潮、通俗音乐等新事物的来势汹汹，社会和部分京剧从业者的浮躁心态，政府的扶持力度，媒体的宣传取向，国有剧团的落后体制，文化市场的低靡等等，不是一、两个优秀演员能左右的。举最简单的例子，票价太高，普通百姓不是不想进剧场而是进不起，结果是都没人看还何谈对戏的反馈、更不要说广泛传唱了。李维康、尚长荣等等当代有造诣的京剧名家莫能例外，即便袁世海先生又有多少广泛流传的段子呢，而其“袁派”艺术却是大家公认诚服的。现实来看，负责任的京剧人能坚守在这块阵地上，扎扎实实地按艺术规律创作，拿出专家、观众真心认可的作品就实属难能可贵，如果能形成几部具有突出艺术价值和影响力的代表作，塑造出几个堪称经典的戏剧人物形象，有鲜明的个人艺术风格和相对完整的表演路数，列为大师或大家该算应当应分。另外，李维康的唱段多半难度较大，需要相当全面的技巧和悟性，后来的专业演员似乎都较难驾驭，广泛流传也就不易吧。

总之，集百家之长，和时代之音，集观众之意，走自己的路！天籁之音，夺神之韵，雅俗共赏，情真意长，这就是我眼中的维康。从12岁登台、稚嫩而灵秀的一招一式，到青春盛年的“一支花凝晨露盈盈绽放”，如今步入到雍容华美、淡定从容的金秋时节；我们在感叹岁月流转、世事变幻的同时，心中响起的是刘欢一首歌中所唱“优秀的依然优秀，精彩的依然精彩”！

本贴由维伊主张于2004年4月08日19:29:46在〖中国京剧论坛〗发表